L’ÉTÉ S’RA CHAUD⎮Dorothée Machabert

L’été s’ra chaud est une série photographique réalisée dans des territoires déjà touchés par le dérèglement climatique : lieux brûlés, inondés, fragilisés ou menacés de disparition. Pourtant, les usages demeurent inchangés : on s’y baigne, on s’y repose, on y joue, comme si rien ne se passait.
La série explore cette dissonance entre des paysages marqués par la catastrophe et la persistance des comportements quotidiens. Ce qui devrait alerter devient décor, absorbé par l’habitude.
À la frontière du documentaire et de la photographie d’art, le projet évite le spectaculaire pour observer un déni discret et ordinaire. Il interroge notre capacité collective à continuer « comme avant » alors même que les paysages se transforment et disparaissent.

SOLASTALGIA⎮Maya Paules

Pendant le confinement de 2020, vécue seule avec mes deux fils, un sentiment d’urgence s’est imposé. J’ai vu les lieux sacrés de mon enfance être transformés et détruits : une route traversant la forêt de mon père, un pont monumental sur les berges du Gave où j’ai grandi.
À travers mes enfants, j’ai voulu raviver la mémoire de ces lieux et d’un temps révolu, celui de l’enfance, où la magie subsiste encore : arbres-refuges, eau, pierres, chenilles ou crapauds deviennent les protagonistes d’histoires fabuleuses.
Solastalgia évoque ce monde préservé des « bruits de la terreur » et tente de conjurer l’effondrement écologique à venir. La solastalgie désigne une détresse liée aux bouleversements environnementaux.

CE QU’IL EN RESTERA⎮Carole Cettolin

Je n’ai pas toujours été une artiste engagée. Longtemps centré sur l’intime, mon travail a évolué face à l’urgence écologique, jusqu’à faire de l’engagement une part essentielle de ma pratique.
La série « Ce qu’il en restera » aborde la pollution océanique à travers des images à double lecture. De loin, elles évoquent des méduses flottant dans un bleu profond ; de près apparaissent des déchets plastiques formant un piège invisible. Beauté et menace se confondent, révélant l’ambiguïté de notre rapport au vivant.
La méduse, fragile et fascinante, devient le symbole de cette tension. Inspirée du cyanotype, la série joue sur le bleu et le blanc pour transformer l’océan en espace de contemplation et de prise de conscience.

LE ROCHER AUX HIRONDELLES⎮Christian Lafosse

Ici, les vivants se souviennent des morts et les morts continuent de vivre.
Ce village où j’ai grandi m’est devenu étranger depuis mon départ puis mon retour. Depuis 2021, je mène un travail photographique pour me réapproprier ce territoire, son histoire et ma mémoire. J’y retrouve l’isolement laissé derrière moi : beaucoup sont partis, tandis que d’autres viennent s’y retirer, fuyant la ville ou par nécessité économique.

À Monségur, bastide fondée au XIIIe siècle en Entre-deux-Mers, l’histoire du déracinement et du repeuplement se répète. « Le Rocher aux Hirondelles » évoque ce lieu traversé par les départs et les retours. À travers 20 photographies argentiques réalisées en Nouvelle-Aquitaine, je propose un portrait sensible d’un territoire entre intimité, mémoire et exode rural.

WAHAJIRINA⎮Ania Gruca

Dans la nuit du 11 au 12 janvier 1964, à Zanzibar, une insurrection renverse le sultan un mois après l’indépendance. La révolution vise particulièrement les familles d’origine arabe et indienne, faisant plusieurs milliers de morts. Les années suivantes sont marquées par la répression : arrestations arbitraires, torture, menaces et confiscations traumatisent durablement la population. Considéré comme une révolution ou un coup d’État selon les points de vue, cet événement continue de façonner l’identité de Zanzibar. Cette enquête photographique donne la parole aux mémoires non officielles : exilé·e·s, familles persécutées, témoins directs et descendants racontent les répercussions intimes et souvent tues de cette histoire.

SILVER LINING⎮Lucas Kleinholtz

Depuis 2023, ce projet explore la « bordure d’argent » (silver lining), métaphore de la pollution aux hydrocarbures. Dans la forêt des Landes, où se situe le plus grand gisement pétrolier de France métropolitaine, des dépôts argentés et irisés révèlent les traces d’une contamination aux origines incertaines, entre fuites industrielles et remontées naturelles. De Belin-Béliet à Parentis-en-Born, ces paysages troublants témoignent de la fragilité des écosystèmes et de notre fascination pour une beauté toxique qui masque la catastrophe écologique. Inspiré de Comus de John Milton, ce travail interroge notre inquiétante capacité à nous habituer aux désastres.

L’ÉTOFFE DES ÉMOTIONS – AUTOPORTRAITS⎮Bernadette Loupias

Que gardons-nous des vêtements qui ont traversé notre vie ? Cette série d’autoportraits explore le lien intime entre mémoire, identité et objets du quotidien. À travers des vêtements et accessoires issus de différentes périodes de son existence, Bernadette Loupias compose des portraits où passé et présent se superposent. Chaque détail devient un indice d’une histoire personnelle, sans chronologie ni nostalgie. Avec humour et autodérision ces images construisent un corpus-mémoire où les vêtements agissent comme des couches de soi, révélant une identité multiple, façonnée par le temps et les souvenirs.

D’AUTRES MATINS⎮Régis Feugère

Invité en résidence à l’automne 2023 par la communauté d’agglomération Mont Saint-Michel Normandie, Régis Feugère explore la baie du Mont-Saint-Michel à travers ses marges et son quotidien. Loin des images emblématiques, il arpente pendant un mois ses lisières, rencontre ses habitants et observe les rythmes imposés par les marées, le vent et les saisons. À travers une photographie attentive aux instants ordinaires, il compose un portrait sensible et subjectif du territoire, où les petites histoires dialoguent avec la grande, révélant la poésie discrète d’un paysage en perpétuel mouvement.

JE NE SAIS PAS QUE JE T’ATTENDS⎮Laurence Escorneboueu

Née de l’attente d’une grossesse entre le printemps et Noël, cette série mêle autoportraits et paysages pour explorer la transformation physique et psychique. Le corps en mutation dialogue avec une nature tour à tour domestique, sauvage puis estivale, reflet d’états intérieurs et de la force nécessaire à l’émergence de la vie. À rebours des représentations idéalisées de la maternité, ces images offrent une vision sensible et sans fard d’une période traversée par la vulnérabilité, l’épuisement et la puissance. L’apparition finale d’une autre présence ouvre le récit à la dimension relationnelle de la maternité.

LEUR CORPS, TERRITOIRES EN PRÉSENCE⎮Antoine Buquen

Cette série est issue d’une recherche photographique et anthropologique menée auprès de communautés autochtones du Brésil. Elle explore les questions d’identité, de territoire et de droits à travers les parcours de femmes autochtones, aujourd’hui engagées pour faire entendre leurs voix. Leurs corps deviennent des espaces de mémoire, de résistance et de transmission face aux violences et aux discriminations. Entre documentaire, création visuelle et écriture ethnographique, ce travail restitue un regard construit dans la rencontre et révèle une identité autochtone contemporaine, plurielle, vivante et en constante évolution.

L’ÉTÉ S’RA CHAUD⎮Dorothée Machabert

L’été s’ra chaud est une série photographique réalisée dans des territoires déjà touchés par le dérèglement climatique : lieux brûlés, inondés, fragilisés ou menacés de disparition. Pourtant, les usages demeurent inchangés : on s’y baigne, on s’y repose, on y joue, comme si rien ne se passait.
La série explore cette dissonance entre des paysages marqués par la catastrophe et la persistance des comportements quotidiens. Ce qui devrait alerter devient décor, absorbé par l’habitude.
À la frontière du documentaire et de la photographie d’art, le projet évite le spectaculaire pour observer un déni discret et ordinaire. Il interroge notre capacité collective à continuer « comme avant » alors même que les paysages se transforment et disparaissent.

SOLASTALGIA⎮Maya Paules

Pendant le confinement de 2020, vécue seule avec mes deux fils, un sentiment d’urgence s’est imposé. J’ai vu les lieux sacrés de mon enfance être transformés et détruits : une route traversant la forêt de mon père, un pont monumental sur les berges du Gave où j’ai grandi.
À travers mes enfants, j’ai voulu raviver la mémoire de ces lieux et d’un temps révolu, celui de l’enfance, où la magie subsiste encore : arbres-refuges, eau, pierres, chenilles ou crapauds deviennent les protagonistes d’histoires fabuleuses.
Solastalgia évoque ce monde préservé des « bruits de la terreur » et tente de conjurer l’effondrement écologique à venir. La solastalgie désigne une détresse liée aux bouleversements environnementaux.

CE QU’IL EN RESTERA⎮Carole Cettolin

Je n’ai pas toujours été une artiste engagée. Longtemps centré sur l’intime, mon travail a évolué face à l’urgence écologique, jusqu’à faire de l’engagement une part essentielle de ma pratique.
La série « Ce qu’il en restera » aborde la pollution océanique à travers des images à double lecture. De loin, elles évoquent des méduses flottant dans un bleu profond ; de près apparaissent des déchets plastiques formant un piège invisible. Beauté et menace se confondent, révélant l’ambiguïté de notre rapport au vivant.
La méduse, fragile et fascinante, devient le symbole de cette tension. Inspirée du cyanotype, la série joue sur le bleu et le blanc pour transformer l’océan en espace de contemplation et de prise de conscience.

LE ROCHER AUX HIRONDELLES⎮Christian Lafosse

Ici, les vivants se souviennent des morts et les morts continuent de vivre.
Ce village où j’ai grandi m’est devenu étranger depuis mon départ puis mon retour. Depuis 2021, je mène un travail photographique pour me réapproprier ce territoire, son histoire et ma mémoire. J’y retrouve l’isolement laissé derrière moi : beaucoup sont partis, tandis que d’autres viennent s’y retirer, fuyant la ville ou par nécessité économique.

À Monségur, bastide fondée au XIIIe siècle en Entre-deux-Mers, l’histoire du déracinement et du repeuplement se répète. « Le Rocher aux Hirondelles » évoque ce lieu traversé par les départs et les retours. À travers 20 photographies argentiques réalisées en Nouvelle-Aquitaine, je propose un portrait sensible d’un territoire entre intimité, mémoire et exode rural.

WAHAJIRINA⎮Ania Gruca

Dans la nuit du 11 au 12 janvier 1964, à Zanzibar, une insurrection renverse le sultan un mois après l’indépendance. La révolution vise particulièrement les familles d’origine arabe et indienne, faisant plusieurs milliers de morts. Les années suivantes sont marquées par la répression : arrestations arbitraires, torture, menaces et confiscations traumatisent durablement la population. Considéré comme une révolution ou un coup d’État selon les points de vue, cet événement continue de façonner l’identité de Zanzibar. Cette enquête photographique donne la parole aux mémoires non officielles : exilé·e·s, familles persécutées, témoins directs et descendants racontent les répercussions intimes et souvent tues de cette histoire.

Ce travail photographique a pour objet de restituer la dignité des personnes vivant en institution ; plutôt qu’une quête de sensationnalisme, à l’affût de l’étrange, c’est une approche dans le temps long du familier qui passe par la construction d’une relation, construction incontournable pour dépasser les a priori clivants.
Y être légitime, c’est faire partie  de ce paysage, pour pouvoir partager de l’intérieur ces réalités de la vie en foyer, et ainsi respecter et valoriser la singularité de chacun, sa complexité et sa diversité.
Dans nos sociétés peu inclusives, l’imaginaire collectif reste tissé de préjugés et de fantasmes, qui alimentent des représentations spectaculaires (en particulier concernant la maladie mentale). Cette vision fantasmée ne correspond que peu à la réalité de ces personnes dans leur quotidien, ce qui pénalise bien évidemment leur prise en charge par la société, l’organisation des politiques de santé, et donc du système de soin.

Jeu d’enfant explore les dynamiques complexes d’une famille moderne. À travers les regards, la série cherche à révéler l’enchevêtrement émotionnel de nos relations les plus intimes et familières. En jouant avec chaque membre de ma famille, j’aborde les non-dits et les invisibles de la vie familiale à l’âge adulte. Cette démarche permet d’analyser les liens familiaux et leur impact sur mon identité. Chaque relation binaire (mère-enfant, père-enfant, frère-sœur, etc.) est étudiée et comparée. Ma famille devient mon sujet d’étude. Je l’analyse et la déconstruis. J’expérimente et je joue. Dans un contexte où la communication verbale est limitée, je recours à d’autres formes d’interaction, telles que le jeu et le regard.
L’enfant se construit à travers les yeux de ses parents et pairs, faisant du regard familial un élément clé de son développement. Chaque photographie illustre cet échange, cette esquive ou cette bataille de regards. Le jeu est une manière d’expérimenter le réel, de le tester, de le déconstruire, de réagencer, recombiner les liens que j’entretiens avec les membres de ma famille. En jouant à faire semblant, à jouer nos propres rôles puis à les inverser, on décortique les catégories du Je, du Moi, du Soi et de l’Autre.

En 2023, je démarre un travail intimiste documentant mon séjour au royaume des malades.
Ces photos illustrent comment le cancer se glisse dans les détails subtils du quotidien et chamboule la vie des malades.
Le corps subit. Le temps lent invite à panser la douleur et repenser le rapport à la vie et au vivant.
Photographier ce parcours de soin c’est mettre une image sur la souffrance, la peur silencieuse et le désir de vivre.

En dépit de leur corps végétal imposant et robuste, les arbres sont majoritairement formés de
cellules mortes. Le bois, bien que d’une importance fondamentale pour la solidité de l’arbre,
est, quant à lui, mort.
Inspiré par cette dichotomie entre la mort et la vie, Julien Thiverny a voulu explorer ce
paradoxe en l’appliquant à d’autres formes végétales comme les fleurs et les plantes. Cette
réflexion l’a amené à imaginer des espèces capables de réutiliser les parties mortes d’autres
végétaux pour continuer à croître et s’adapter à leur environnement.
Les sujets expérimentaux qu’il a confectionnés constituent une approche de l’évolution par
laquelle les espèces se réorganisent et se fusionnent en prévision de nouvelles pressions
environnementales, incarnant un nouvel ordre d’êtres sensibles dans lequel la mort n’est pas
un point final, mais une phase séquentielle de renouvellement.
Éclairées en clair-obscur, évoquant les peintures de nature morte, Julien Thiverny a choisi de
capturer ces chimères végétales sur pellicule 120 mm. Ce choix rappelle les photographies
des anciens ouvrages de botanique, tout en empruntant l’esthétique des tableaux classiques
afin d’ajouter de la noirceur à ses créations.

Corentin Fohlen

Il est l’invité des 15 ans avec deux séries :

Mon Oncle (…est un génie)

Au delà de raconter  l’amour et l’admiration que je porte à cet homme hors du commun – « l’original de la famille » -, il s’agit ici de narrer les aventures d’un véritable démiurge fascinant. Parce que j’ai toujours vu en ce parrain – qui petit me terrifiait par sa carrure et sa grande gueule de brute mal dégrossie – un être fantastique. Inspirant. Libre. A l’opposé des conventions.

Cette série est une ode à la Liberté, de celle qui vous enflamme et vous consume, celle qui fait face au futile, à la mesquinerie. La vraie liberté, celle qui élève le blasphème au rang d’étendard. La liberté n’est pas un vain mot, ni une facilité. C’est un combat de longue haleine, de toute une vie. Mon oncle est de ceux qui continuent de construire son monde. Sans limite si ce n’est les limites de l’esprit. Pour cela il faut se libérer, c’est un apprentissage, de tous les jours.

« Etre plus que soi-même est-ce possible ? ».

Cette phrase de mon oncle résume bien cette recherche. Etre soi-même c’est se limiter, aller au delà c’est se délivrer.

Parce qu’il est à la fois artiste, ingénieur, philosophe, fou-dingue mais doux-réaliste, scientifique, bâtisseur de sa vie et architecte de son environnement, poète, utopiste-pessimiste, libéral-anarchiste.

Mon oncle est un génie génial, c’est une évidence.

La garde-robe

J’ai toujours connu mon oncle en tee-shirt noir, jean’s et gros godillots. Plus qu’une tenue, un uniforme. Son métier lui imposait des vêtements pratiques et résistants. Bien sur son éducation lui avait enseigné que l’homme vivait en pantalon et les femmes portaient des robes. C’était simple, chacun son accoutrement, son repère genré. La société n’aime pas le mélange des genres. Certains dès la naissance affublent leur nourrisson d’un ridicule noeud rose sur la tête de peur d’une confusion des sexes !

Au moment du mouvement des Gilets Jaunes – alors que le peuple remettait en question l’autorité – mon oncle lui remit en question un dictat vestimentaire. Engagé dans les manifestations, mais souhaitant s’y investir différemment, il déniche une robe jaune fluo et décide de la porter durant tout le parcours. Les réactions l’étonnent, les sensations le titillent, il découvre une liberté jusque-là inconnue. Ce n’est pas tant la provocation qui l’excite mais la découverte d’un monde qui jusque là lui était interdit.

Mon oncle – le mâle alpha par excellence – se métamorphose : de chenille, il passe papillon. Sa mue l’épanouit, l’émancipe. Il abandonne ses pantalons et se met à coudre ses propres robes. Pour autant il ne cherche pas non plus à rentrer dans un nouveau moule : celui de ressembler à une femme ou de copier tous les attributs féminins eux-mêmes stéréotypés. Il continue de garder ses vieilles chaussures tout terrain

Le regard posé sur lui est toujours surprenant. On hésite à le prendre pour un travesti, un clown ou un provocateur. Il n’est aucun des trois. Il est juste libre d’expérimenter un désir profond.

Charlotte Audoynaud, J’irai creuser la mer / Les lucioles

Mes oiseaux sont innocents, ils n’ont pas connu la perte, l’absence, le manque. Ils sont vie et joie, mais aussi colère et larmes. Ils sont forts et fragiles à la fois.

Naufragés échoués d’un matin d’automne, ils évoluent dans un équilibre précaire, de roche en roche, de failles en creux, dans un brouhaha silencieux d’écume.

Là un paysage rocheux, une plage isolée leurs servent de remparts, territoire inespéré de jeux, d’expérimentations. Ils explorent, grimpent, observent. Une falaise infranchissable, une mer infinie comme frontière, ils sont seuls au monde.

Un refuge tellurique et marin, récif escarpé d’une île imaginaire où tout est à construire.Un monde auquel je n’ai plus accès.
Depuis le seuil j’en sonde les contours, les strates qui se mêlent, le sable qui remonte et l’océan qui fuit…

Camille Ropert, Limnées

Dans la mythologie grecque, « les limnées » sont les nymphes des eaux douces. Entre le 15e et 19e siècle, la communauté des artistes peintres occidentaux, majoritairement masculins, impose une vision unilatérale dirigée par leur fascination : la beauté d’une femme. Ils s’intéressent au désir qu’elle déclenche mais aussi à leur propre domination. La femme est perçue comme un être fragile qui ne se suffit pas à elle-même. Toutes ces descriptions datant d’une autre époque n’ont jamais réellement disparu de l’imaginaire collectif.

A mi-chemin entre le documentaire et la mise en scène, le projet suit le parcours initiatique de femmes cis, trans et personnes non binaires reconnaissant une part de féminin en elleux. Ensemble, iels se sont porté.e.s volontaires pour camper le rôle de nymphes en s’immergeant sous l’eau. Mon travail emprunte des codes datant des peintures de la Renaissance tout en mobilisant la théorie du female gaze et l’approche phénoménologique. J’ai fait le choix de me concentrer sur l’expérience vécue d’un corps, et sur le fait qu’il soit habité par des émotions et des intentions. Le projet s’articule à travers le prisme de l’aliénation et de l’émancipation. Je le construis en tenant compte des contradictions existantes au sein du processus de libération. Je m’attache aussi à faire ressentir l’expérience du féminin, notamment par l’utilisation d’une substance rouge pouvant amener à la fois l’idée de la violence subie ou celle créée par les luttes menées – des menstruations ou d’un passage, une métamorphose. L’intégralité des prises de vue ont été effectuées dans un lac. J’ai pris le parti de me servir de la lumière naturelle et d’être tributaire des conditions météorologiques, en assumant l’impact que ces phénomènes produisent sur le milieu aquatique.

Maxime Michelet, Mes sœurs et mes frères

Dans les albums de familles, les premières photos, épreuves et preuves de nos existences, ne nous racontent pas seuls… Nus au bain, sous le sapin, sur le sable, portraits endimanchés, elles nous mettent en scène aux côtés de celles et ceux qui partagent, par l’intime et par l’âge, notre monde.

Partant de ce constat, Mes sœurs et mes frères recrée quelques-uns des moments, bêtises ou sacrements qui, du début à la fin, font la vie des fratries. Du repas au jeu, du jardin au canapé, du rire au deuil, les temps complices ou solennels renaissent sous forme de tableaux exaltant la fraternité et la sororité.

La conjonction de ces multiples scénettes dessine alors un monde : un monde de sangs liés, de rivaux pourtant alliés, de nos derniers soutiens, parce qu’ils étaient là les premiers.

Avec chaque fratrie s’est fait un choix de mise en scène capable de symboliser les liens singuliers qui les unissent. Ainsi immergé dans ces récits familiaux, une fratrie en apportant une autre, j’ai vu se tisser un réseau fait d’amis, de cousins, des sœurs de ces amis, des frères de ces cousins, puis les sœurs de ces frères et les frères de nos sœurs…

Alors, projetée dans une toile dépassant les tableaux, la fraternité a pris un sens ultérieur.