SILVER LINING⎮Lucas Kleinholtz

Depuis 2023, ce projet explore la « bordure d’argent » (silver lining), métaphore de la pollution aux hydrocarbures. Dans la forêt des Landes, où se situe le plus grand gisement pétrolier de France métropolitaine, des dépôts argentés et irisés révèlent les traces d’une contamination aux origines incertaines, entre fuites industrielles et remontées naturelles. De Belin-Béliet à Parentis-en-Born, ces paysages troublants témoignent de la fragilité des écosystèmes et de notre fascination pour une beauté toxique qui masque la catastrophe écologique. Inspiré de Comus de John Milton, ce travail interroge notre inquiétante capacité à nous habituer aux désastres.

L’ÉTOFFE DES ÉMOTIONS – AUTOPORTRAITS⎮Bernadette Loupias

Que gardons-nous des vêtements qui ont traversé notre vie ? Cette série d’autoportraits explore le lien intime entre mémoire, identité et objets du quotidien. À travers des vêtements et accessoires issus de différentes périodes de son existence, Bernadette Loupias compose des portraits où passé et présent se superposent. Chaque détail devient un indice d’une histoire personnelle, sans chronologie ni nostalgie. Avec humour et autodérision ces images construisent un corpus-mémoire où les vêtements agissent comme des couches de soi, révélant une identité multiple, façonnée par le temps et les souvenirs.

D’AUTRES MATINS⎮Régis Feugère

Invité en résidence à l’automne 2023 par la communauté d’agglomération Mont Saint-Michel Normandie, Régis Feugère explore la baie du Mont-Saint-Michel à travers ses marges et son quotidien. Loin des images emblématiques, il arpente pendant un mois ses lisières, rencontre ses habitants et observe les rythmes imposés par les marées, le vent et les saisons. À travers une photographie attentive aux instants ordinaires, il compose un portrait sensible et subjectif du territoire, où les petites histoires dialoguent avec la grande, révélant la poésie discrète d’un paysage en perpétuel mouvement.

JE NE SAIS PAS QUE JE T’ATTENDS⎮Laurence Escorneboueu

Née de l’attente d’une grossesse entre le printemps et Noël, cette série mêle autoportraits et paysages pour explorer la transformation physique et psychique. Le corps en mutation dialogue avec une nature tour à tour domestique, sauvage puis estivale, reflet d’états intérieurs et de la force nécessaire à l’émergence de la vie. À rebours des représentations idéalisées de la maternité, ces images offrent une vision sensible et sans fard d’une période traversée par la vulnérabilité, l’épuisement et la puissance. L’apparition finale d’une autre présence ouvre le récit à la dimension relationnelle de la maternité.

LEUR CORPS, TERRITOIRES EN PRÉSENCE⎮Antoine Buquen

Cette série est issue d’une recherche photographique et anthropologique menée auprès de communautés autochtones du Brésil. Elle explore les questions d’identité, de territoire et de droits à travers les parcours de femmes autochtones, aujourd’hui engagées pour faire entendre leurs voix. Leurs corps deviennent des espaces de mémoire, de résistance et de transmission face aux violences et aux discriminations. Entre documentaire, création visuelle et écriture ethnographique, ce travail restitue un regard construit dans la rencontre et révèle une identité autochtone contemporaine, plurielle, vivante et en constante évolution.

L’ÉTÉ S’RA CHAUD⎮Dorothée Machabert

L’été s’ra chaud est une série photographique réalisée dans des territoires déjà touchés par le dérèglement climatique : lieux brûlés, inondés, fragilisés ou menacés de disparition. Pourtant, les usages demeurent inchangés : on s’y baigne, on s’y repose, on y joue, comme si rien ne se passait.
La série explore cette dissonance entre des paysages marqués par la catastrophe et la persistance des comportements quotidiens. Ce qui devrait alerter devient décor, absorbé par l’habitude.
À la frontière du documentaire et de la photographie d’art, le projet évite le spectaculaire pour observer un déni discret et ordinaire. Il interroge notre capacité collective à continuer « comme avant » alors même que les paysages se transforment et disparaissent.

SOLASTALGIA⎮Maya Paules

Pendant le confinement de 2020, vécue seule avec mes deux fils, un sentiment d’urgence s’est imposé. J’ai vu les lieux sacrés de mon enfance être transformés et détruits : une route traversant la forêt de mon père, un pont monumental sur les berges du Gave où j’ai grandi.
À travers mes enfants, j’ai voulu raviver la mémoire de ces lieux et d’un temps révolu, celui de l’enfance, où la magie subsiste encore : arbres-refuges, eau, pierres, chenilles ou crapauds deviennent les protagonistes d’histoires fabuleuses.
Solastalgia évoque ce monde préservé des « bruits de la terreur » et tente de conjurer l’effondrement écologique à venir. La solastalgie désigne une détresse liée aux bouleversements environnementaux.

CE QU’IL EN RESTERA⎮Carole Cettolin

Je n’ai pas toujours été une artiste engagée. Longtemps centré sur l’intime, mon travail a évolué face à l’urgence écologique, jusqu’à faire de l’engagement une part essentielle de ma pratique.
La série « Ce qu’il en restera » aborde la pollution océanique à travers des images à double lecture. De loin, elles évoquent des méduses flottant dans un bleu profond ; de près apparaissent des déchets plastiques formant un piège invisible. Beauté et menace se confondent, révélant l’ambiguïté de notre rapport au vivant.
La méduse, fragile et fascinante, devient le symbole de cette tension. Inspirée du cyanotype, la série joue sur le bleu et le blanc pour transformer l’océan en espace de contemplation et de prise de conscience.

LE ROCHER AUX HIRONDELLES⎮Christian Lafosse

Ici, les vivants se souviennent des morts et les morts continuent de vivre.
Ce village où j’ai grandi m’est devenu étranger depuis mon départ puis mon retour. Depuis 2021, je mène un travail photographique pour me réapproprier ce territoire, son histoire et ma mémoire. J’y retrouve l’isolement laissé derrière moi : beaucoup sont partis, tandis que d’autres viennent s’y retirer, fuyant la ville ou par nécessité économique.

À Monségur, bastide fondée au XIIIe siècle en Entre-deux-Mers, l’histoire du déracinement et du repeuplement se répète. « Le Rocher aux Hirondelles » évoque ce lieu traversé par les départs et les retours. À travers 20 photographies argentiques réalisées en Nouvelle-Aquitaine, je propose un portrait sensible d’un territoire entre intimité, mémoire et exode rural.

WAHAJIRINA⎮Ania Gruca

Dans la nuit du 11 au 12 janvier 1964, à Zanzibar, une insurrection renverse le sultan un mois après l’indépendance. La révolution vise particulièrement les familles d’origine arabe et indienne, faisant plusieurs milliers de morts. Les années suivantes sont marquées par la répression : arrestations arbitraires, torture, menaces et confiscations traumatisent durablement la population. Considéré comme une révolution ou un coup d’État selon les points de vue, cet événement continue de façonner l’identité de Zanzibar. Cette enquête photographique donne la parole aux mémoires non officielles : exilé·e·s, familles persécutées, témoins directs et descendants racontent les répercussions intimes et souvent tues de cette histoire.

L’ÉTÉ S’RA CHAUD⎮Dorothée Machabert

L’été s’ra chaud est une série photographique réalisée dans des territoires déjà touchés par le dérèglement climatique : lieux brûlés, inondés, fragilisés ou menacés de disparition. Pourtant, les usages demeurent inchangés : on s’y baigne, on s’y repose, on y joue, comme si rien ne se passait.
La série explore cette dissonance entre des paysages marqués par la catastrophe et la persistance des comportements quotidiens. Ce qui devrait alerter devient décor, absorbé par l’habitude.
À la frontière du documentaire et de la photographie d’art, le projet évite le spectaculaire pour observer un déni discret et ordinaire. Il interroge notre capacité collective à continuer « comme avant » alors même que les paysages se transforment et disparaissent.

SOLASTALGIA⎮Maya Paules

Pendant le confinement de 2020, vécue seule avec mes deux fils, un sentiment d’urgence s’est imposé. J’ai vu les lieux sacrés de mon enfance être transformés et détruits : une route traversant la forêt de mon père, un pont monumental sur les berges du Gave où j’ai grandi.
À travers mes enfants, j’ai voulu raviver la mémoire de ces lieux et d’un temps révolu, celui de l’enfance, où la magie subsiste encore : arbres-refuges, eau, pierres, chenilles ou crapauds deviennent les protagonistes d’histoires fabuleuses.
Solastalgia évoque ce monde préservé des « bruits de la terreur » et tente de conjurer l’effondrement écologique à venir. La solastalgie désigne une détresse liée aux bouleversements environnementaux.

CE QU’IL EN RESTERA⎮Carole Cettolin

Je n’ai pas toujours été une artiste engagée. Longtemps centré sur l’intime, mon travail a évolué face à l’urgence écologique, jusqu’à faire de l’engagement une part essentielle de ma pratique.
La série « Ce qu’il en restera » aborde la pollution océanique à travers des images à double lecture. De loin, elles évoquent des méduses flottant dans un bleu profond ; de près apparaissent des déchets plastiques formant un piège invisible. Beauté et menace se confondent, révélant l’ambiguïté de notre rapport au vivant.
La méduse, fragile et fascinante, devient le symbole de cette tension. Inspirée du cyanotype, la série joue sur le bleu et le blanc pour transformer l’océan en espace de contemplation et de prise de conscience.

LE ROCHER AUX HIRONDELLES⎮Christian Lafosse

Ici, les vivants se souviennent des morts et les morts continuent de vivre.
Ce village où j’ai grandi m’est devenu étranger depuis mon départ puis mon retour. Depuis 2021, je mène un travail photographique pour me réapproprier ce territoire, son histoire et ma mémoire. J’y retrouve l’isolement laissé derrière moi : beaucoup sont partis, tandis que d’autres viennent s’y retirer, fuyant la ville ou par nécessité économique.

À Monségur, bastide fondée au XIIIe siècle en Entre-deux-Mers, l’histoire du déracinement et du repeuplement se répète. « Le Rocher aux Hirondelles » évoque ce lieu traversé par les départs et les retours. À travers 20 photographies argentiques réalisées en Nouvelle-Aquitaine, je propose un portrait sensible d’un territoire entre intimité, mémoire et exode rural.

WAHAJIRINA⎮Ania Gruca

Dans la nuit du 11 au 12 janvier 1964, à Zanzibar, une insurrection renverse le sultan un mois après l’indépendance. La révolution vise particulièrement les familles d’origine arabe et indienne, faisant plusieurs milliers de morts. Les années suivantes sont marquées par la répression : arrestations arbitraires, torture, menaces et confiscations traumatisent durablement la population. Considéré comme une révolution ou un coup d’État selon les points de vue, cet événement continue de façonner l’identité de Zanzibar. Cette enquête photographique donne la parole aux mémoires non officielles : exilé·e·s, familles persécutées, témoins directs et descendants racontent les répercussions intimes et souvent tues de cette histoire.

Ce travail photographique a pour objet de restituer la dignité des personnes vivant en institution ; plutôt qu’une quête de sensationnalisme, à l’affût de l’étrange, c’est une approche dans le temps long du familier qui passe par la construction d’une relation, construction incontournable pour dépasser les a priori clivants.
Y être légitime, c’est faire partie  de ce paysage, pour pouvoir partager de l’intérieur ces réalités de la vie en foyer, et ainsi respecter et valoriser la singularité de chacun, sa complexité et sa diversité.
Dans nos sociétés peu inclusives, l’imaginaire collectif reste tissé de préjugés et de fantasmes, qui alimentent des représentations spectaculaires (en particulier concernant la maladie mentale). Cette vision fantasmée ne correspond que peu à la réalité de ces personnes dans leur quotidien, ce qui pénalise bien évidemment leur prise en charge par la société, l’organisation des politiques de santé, et donc du système de soin.

Jeu d’enfant explore les dynamiques complexes d’une famille moderne. À travers les regards, la série cherche à révéler l’enchevêtrement émotionnel de nos relations les plus intimes et familières. En jouant avec chaque membre de ma famille, j’aborde les non-dits et les invisibles de la vie familiale à l’âge adulte. Cette démarche permet d’analyser les liens familiaux et leur impact sur mon identité. Chaque relation binaire (mère-enfant, père-enfant, frère-sœur, etc.) est étudiée et comparée. Ma famille devient mon sujet d’étude. Je l’analyse et la déconstruis. J’expérimente et je joue. Dans un contexte où la communication verbale est limitée, je recours à d’autres formes d’interaction, telles que le jeu et le regard.
L’enfant se construit à travers les yeux de ses parents et pairs, faisant du regard familial un élément clé de son développement. Chaque photographie illustre cet échange, cette esquive ou cette bataille de regards. Le jeu est une manière d’expérimenter le réel, de le tester, de le déconstruire, de réagencer, recombiner les liens que j’entretiens avec les membres de ma famille. En jouant à faire semblant, à jouer nos propres rôles puis à les inverser, on décortique les catégories du Je, du Moi, du Soi et de l’Autre.

En 2023, je démarre un travail intimiste documentant mon séjour au royaume des malades.
Ces photos illustrent comment le cancer se glisse dans les détails subtils du quotidien et chamboule la vie des malades.
Le corps subit. Le temps lent invite à panser la douleur et repenser le rapport à la vie et au vivant.
Photographier ce parcours de soin c’est mettre une image sur la souffrance, la peur silencieuse et le désir de vivre.

En dépit de leur corps végétal imposant et robuste, les arbres sont majoritairement formés de
cellules mortes. Le bois, bien que d’une importance fondamentale pour la solidité de l’arbre,
est, quant à lui, mort.
Inspiré par cette dichotomie entre la mort et la vie, Julien Thiverny a voulu explorer ce
paradoxe en l’appliquant à d’autres formes végétales comme les fleurs et les plantes. Cette
réflexion l’a amené à imaginer des espèces capables de réutiliser les parties mortes d’autres
végétaux pour continuer à croître et s’adapter à leur environnement.
Les sujets expérimentaux qu’il a confectionnés constituent une approche de l’évolution par
laquelle les espèces se réorganisent et se fusionnent en prévision de nouvelles pressions
environnementales, incarnant un nouvel ordre d’êtres sensibles dans lequel la mort n’est pas
un point final, mais une phase séquentielle de renouvellement.
Éclairées en clair-obscur, évoquant les peintures de nature morte, Julien Thiverny a choisi de
capturer ces chimères végétales sur pellicule 120 mm. Ce choix rappelle les photographies
des anciens ouvrages de botanique, tout en empruntant l’esthétique des tableaux classiques
afin d’ajouter de la noirceur à ses créations.

« Le néon, cet éclairage si particulier, met en lumière voyageurs, vagabonds, travailleurs, dans ces couloirs souterrains comme un milieu entre Dieu et le néant. J’ai passé une grosse partie de ma jeunesse dans les gares et les trains français. Sarlat, Bergerac, Bordeaux, Paris, Rennes, Angoulême, Toulouse, Lille, Nîmes, Arcachon,… La gare saint Jean de Bordeaux était le hub de toutes mes destinations. Chaque week-end ou presque, je passais par Bordeaux pour rejoindre ma correspondance en empruntant ces longs couloirs à la lumière blafarde et inquiétante. Aujourd’hui, il y a ceux qui se promènent, qui vagabondent, qui rôdent, qui divaguent, qui s’égarent, qui vont à l’aventure, qui travaillent. D’autres partent en vacances ou retournent vers leur foyer… Tous se croisent à un moment de la journée, certains se voient tous les jours et finissent, pour quelques-uns, par se reconnaître avant de se connaître. 40 ans après, je reviens dans ces couloirs, mais cette fois-ci, posté avec mon appareil photo à un endroit précis et à la vue de tous, pour tenter de saisir ces va-et-vient incessants et répétés, sous les lumières des néons, témoins discrets de cette transhumance quotidienne et d’une partie de mon passé. »

« Tokyo Blue by Midnight représente l’aboutissement de ma vision de la photographie de rue à Tokyo.
En 2023, j’ai eu l’opportunité de vivre à long terme dans la capitale japonaise. Mon objectif était de créer une série de photos capturant des moments du quotidien.
Ce qui me passionne, ce n’est pas la photographie de reportage ni la recherche de couleurs réalistes, mais plutôt l’idée de vivre le quotidien comme un film où chaque personne joue son rôle à la perfection.
Quel est ma place dans cette pièce de théâtre géante ? Capturer ces instants, ces ambiances que la vie nous offre, les mettre en valeur.
Dans une métropole comme Tokyo, il règne une atmosphère unique, si différente de celle que l’on trouve en France. C’est aussi cette singularité que j’ai voulu partager.
Cette série est graphique, et j’espère qu’elle vous transportera dans les ambiances nocturnes de Tokyo. »

Initié en mars 2023 lors d’une phase de vide créatif, Poiêsis explore la transformation d’une idée en réalité, confrontant la peur de l’échec et du passage à l’acte. Ce projet photographique interroge les notions de doute, de métamorphose et de quête de sens à travers le prisme d’une introspection profonde. Il devient une forme d’autopsychanalyse où la peur d’agir se mue en moteur créatif. En arpentant les paysages, l’auteur glane des symboles concrets évoquant l’invisible, transformant ses images mentales en visions extérieures. Nourri par la pensée de Bachelard et son ouvrage L’eau et les rêves, Poiêsis s’inscrit dans une démarche quasi initiatique, cherchant dans la nature une résonance intime. Cette création poétique, au sens grec du terme — faire advenir à l’être —, devient un recueil d’images où le rêve trouve matière à s’incarner, révélant une pensée en mouvement.

Cette série est née d’ateliers menés par Céline Levain au quartier femme de la maison d’arrêt d’Angoulême et au centre pénitentiaire de Vivonne. Les détenues se mettaient en scène dans la salle d’activité, exprimant par le corps leur rapport à l’enfermement. Pour évoquer le dehors, si présent dans leurs paroles, la photographe a associé ces portraits à des paysages qu’elles décrivaient, qu’elle est ensuite allée capter. Ces images évoquent à la fois le manque et une forme de paysage intérieur. Ce double regard, entre dedans et dehors, entre photographe et détenues, crée une œuvre sensible qui dépasse la simple compassion et redonne à ces femmes toute leur puissance de sujet.

« Mon regard s’est attardé sur un vieil arbre isolé en bord de route.
Il prenait appui sur une béquille de fortune qu’une personne secourable lui avait adjoint.
Son tronc, d’une corpulence robuste évoquait une solide mais lointaine jeunesse.
Une large cicatrice suggérait que les vents avaient emporté la plupart de son houppier.
Avec vigueur sa dernière branche donnait l’illusion qu’elle avait redessiné sa ramure, comme un postiche masquerait une calvitie.
Cette série de photo donne à voir de vieux arbres fruitiers dans des vergers ou isolés dans des champs ou des vignes.
Plantés à une époque où les familles rurales cultivaient la plupart de ce qu’elles consommaient, ils sont aujourd’hui souvent délaissés, vestiges d’une époque révolue.« 

La Cabane et l’île est une série photographique qui émerge de deux expériences artistiques et collectives que je mène avec la compagnie OLA au sein de la maison d’arrêt de Gradignan et de l’Ecole Nationale d’Administration pénitentiaire à Agen.
Lacan disait, «le réel c’est quand on se cogne», depuis mars 2022 nous sommes entrés à la maison d’arrêt de Gradignan en proposant un protocole de recherche et d’expérimentation qui se nomme Lettre à en vue de réaliser un spectacle pour le printemps 2026. Une immersion dans le réel, qui travaille le dedans et le dehors, qui amorce un espace de circulation de mots et d’images de l’intérieur vers l’extérieur et réciproquement. Des mots sortent de la maison d’arrêt, des images entrent dans les cellules.

“ La Méditerranée occupe mon esprit. Elle me poursuit, me façonne, m’enivre.Courbet ne disait il pas qu’elle lui donnait “les mêmes émotions que l’amour”.
Sa lumière et ses couleurs sont une école de délectation sensuelle et picturale, comme celles d’un songe vibrant mais d’où surgit déjà la nostalgie d’un Eden perdu à chaque fois que je m’en éloigne.
Telle sa lumière qui pénètre l’ombre et la volatilise presque.
Je développe une réelle fascination pour le Polaroïd et son rendu singulier.
Avec ses couleurs diffuses, tantôt saturées, tantôt délavées, le Polaroïd révèle une essence poétique et élégiaque au décor qui l’entoure.

C’est avant tout une histoire de cœur, de corps, d’acceptation, d’image de soi.Un projet qui se concentre sur la maladie, qu’elle soit visible ou non.Pourquoi ?Tout ce qui a un impact sur le corps m’intéresse et nourrit ma pratique photographique.J’aime tous les corps et j’ai la volonté de les libérer, de leur donner la parole, de les mettre à nu, sans filtre, dans leur vérité brute. A travers la photographie, je leur laisse l’espace nécessaire pour s’exprimer, poser des mots sur leurs maux.Une image, une histoire, une correspondance avec son corps. C’est ainsi que je nourris ce projet.Les photographies sont accompagnées d’une lettre écrite que chacun(e) a adressé à son corps, une correspondance nécessaire pour avancer.La maladie quelle qu’elle soit doit être montrée dans sa vérité, sans artifices, sans mise en scène et faux-semblants. Si on ne montre pas la vérité, comment les regards pourraient-ils évoluer ? Comment ces personnes pourraient-elles se sentir à leur place ?